Tony Ann

Um virtuoso de profissão, Tony Ann é um pianista solo com grandes ideias. Ele funde os estilos do novo e do antigo com um efeito de cortar a respiração.

Como um autoproclamado conhecedor de harmonia, Ann está sempre a pensar em formas de não só ultrapassar os limites da música neoclássica e instrumental, mas também da música popular. Embora Ann possa estar limitada à música sem palavras, utiliza com sucesso todas as oitenta e oito teclas a seu favor com composições originais repletas de emoção, técnica e alcance. Com mais de 100 milhões de visualizações e mais de 4 milhões de seguidores nas redes sociais, Ann tem navegado no mundo online com grande sucesso, introduzindo as gerações mais jovens às ideias neoclássicas, especialmente através da sua série “#playthatword”. Utilizando o alfabeto escrito no seu teclado, Ann criou composições originais com base em palavras que lhe foram apresentadas pelo seu público, tendo muitas destas peças sido lançadas oficialmente. Este ano, Ann lançou uma trilogia de EPs (EMOTIONALLY BLUE, ORANGE e RED) em parceria com a Decca Records France (Universal Music Group) como parte de uma série de 15 faixas que exploram as muitas emoções da experiência humana. Para além do seu trabalho a solo, Tony adora a colaboração, tendo lançado faixas com Don Diablo, Wrabel e L.Dre, mostrando a sua elasticidade musical e vontade de mergulhar em diferentes géneros, como EDM, Lofi e Pop. Para além disso, Ann gostou de trabalhar com os The Chainsmokers, tendo participado na coautoria dos singles de platina dos EUA “Sick Boy” e “Call You Mine (feat. Bebe Rexha)”, bem como do single de ouro dos EUA “Side Effects (feat. Emily Warren)”. Ann também teve o prazer de fazer uma digressão com eles como teclista oficial na digressão norte-americana de arena “Memories: Do Not Open”, que também incluiu actuações no SNL e no Good Morning America. Depois de uma recente residência de 4 espectáculos esgotados no Le 360 em Paris, Tony está entusiasmado por levar o seu espetáculo de fusão de géneros a palcos distantes, começando com uma digressão europeia em abril de 2024.

Margareth Menezes

MARGARETH MENEZES é uma das maiores representantes da música baiana. Mais conhecida pela sua música contagiante e voz estrondosa, pelas suas actuações no Carnaval e pelo seu talento bruto como atriz de sucesso na televisão e no grande ecrã, é oriunda de uma família negra dos arredores de Salvador.
Desde os seus humildes começos na vibrante capital do estado da Bahia até à sua recente e espantosa nomeação pelo atual presidente do Brasil, Lula da Silva, como Ministra da Cultura do seu gabinete, foi um longo caminho.

“O presidente Lula acredita na cultura. Durante seis anos, a cultura no Brasil foi absolutamente abandonada pelo governo. O sector cultural foi completamente minado e isso foi muito prejudicial para o sector cultural, para os artistas. […] A cultura incomoda porque é a expressão da democracia e dos seus direitos.” – Margareth Menezes Ministra da Cultura do Brasil

Desde os anos 80, foi uma das primeiras a trazer para os palcos dos concertos a agitação em altos decibéis associada aos trios eléctricos baianos – as bandas de Carnaval conduzidas por camiões – e, desde então, o seu nome está ligado a outros artistas brasileiros de ascendência baiana de renome, como Gilberto Gil, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Daniela Mercury.

Seu álbum Elegibô, produzido por David Byrne, do Talking Head, trouxe fama global a Menezes antes mesmo de sua música ter alcançado o resto do Brasil fora da Bahia. Alcançou e permaneceu em primeiro lugar na parada de World Music da revista Billboard.

Em palco, Margareth Menezes é uma bola pirotécnica de energia. A sua voz, um instrumento rico e de tons escuros, grita e estala nas canções de ritmo acelerado e ronrona com uma sensualidade selvagem nos números mais lentos.

“Divindade do Egito”, por exemplo, é um hino de carnaval que está no topo das paradas desde o final dos anos 80; é praticamente impossível encontrar um brasileiro que nunca tenha cantado o refrão de “Eu falei faraó”. Com Menezes à frente do Ministério da Cultura, a música voltou com tudo, tocando em palcos, bares e clubes de todo o país. “Rollig Stone

Além de turnês internacionais, a cantora já se apresentou em copas do mundo, festivais como Montreux Jazz, Umbria Jazz, Rock in Rio, Brazilian Day, em NY e recebeu prêmios e homenagens em todo o mundo.

Quinteto Astor Piazzolla

Após a morte do lendário bandoneonista e compositor argentino, Laura Escalada Piazzolla criou a Fundação Astor Piazzolla com o objetivo de continuar o seu legado e promover uma nova etapa na divulgação da sua música. Para tal, em 1998, formou o Quinteto Astor Piazzolla, composto por cinco solistas virtuosos com carreiras de destaque, que partilham esteticamente as ideias do Maestro e que se formaram artisticamente sob a sua influência.

Pablo Mainetti (bandoneón), Nicolás Guerschberg (piano), Serdar Geldymuradov (violino), Armando de La Vega (guitarra), Daniel Falasca (contrabaixo) e Julián Vat (Direção Musical) são os responsáveis por interpretar e manter viva a vasta obra do compositor que revolucionou o tango.

A ideia de formar um quinteto remonta ao grupo mais transcendente do maestro Astor Piazzolla: o seu quinteto de bandoneon, violino, guitarra eléctrica, piano e contrabaixo. Criou-o em 1960 e foi a sua ferramenta preferida no processo de construção do Nuevo Tango, que desenvolveu ao longo dessa década.

Os músicos que o acompanhavam eram intérpretes notáveis e requintados que Piazzolla apreciava sobretudo pela sua capacidade de recriar a sua música, enriquecendo-a com as respectivas personalidades.

Piazzolla instalou-se então na Europa durante alguns anos e deixou temporariamente o quinteto de lado até 1978, altura em que o voltou a reunir com uma nova formação que o acompanhou até 1988 e o tornou famoso em todo o mundo. O repertório deste novo quinteto foi alimentado pelo Novo Tango dos anos sessenta e por composições que incorporavam novas ideias, incluindo algumas obras-primas.

Com mais de vinte anos de experiência, o Quinteto Astor Piazzolla realizou grandes digressões nos Estados Unidos, América Latina, Europa e Ásia, recebeu elogios unânimes da imprensa e recebeu importantes prémios internacionais, como o Grammy Latino para Melhor Álbum de Tango (2019).

Nos últimos anos, o grupo lançou quatro álbuns (Revolucionario, Fugata, En 3×4 e Triunfal) com um surpreendente grau de habilidade interpretativa, trazendo para a atualidade obras clássicas mas também as menos conhecidas do percurso musical de Piazzolla, que soam novas e frescas como se saíssem diretamente do pensamento do compositor.

parra for cuva

Roberto-Brundo

A identidade sónica de Parra for Cuva pode ser resumida numa única palavra: Wanderlust. Reconhecido por um distinto sentido de mundanismo, a sua música forma um reino mágico onde a ressonância dos tambores de aço das Caraíbas se entrelaça com instrumentos antigos do Zimbabué, em contraste com paisagens sonoras eletrónicas melódicas que transportam o ouvinte para terras distantes.

Esta abertura tem sido uma caraterística marcante desde o início da carreira do produtor eletrónico e multi-instrumentista alemão. Ao mudar-se para Berlim, continuou a sua exploração, incorporando elementos que vão desde sinos a flautas e kalimbas.

Apesar do refinamento das suas habilidades e do amadurecimento do seu som, a sua música mantém uma qualidade estelar que incorpora o espírito de aventura. Com singles no topo das tabelas e dois álbuns aclamados, Majouré (2014) e Darwîś (2016), a revelação de Parra for Cuva veio com o lançamento de Paspatou (2018). Sem medo de misturar experiências de pista de dança com paisagens sonoras acústicas e étnicas, o seu quarto álbum de estúdio, Juno (2021), envolveu colaborações com músicos de todo o mundo. Comparado a contemporâneos como Christian Löffler e Max Cooper, conhecidos por misturar produções eletrónicas com sons analógicos quentes e muitas vezes melancólicos, Parra for Cuva participou em festivais de prestígio e palcos esgotados em todo o mundo, incluindo Burning Man e Sziget.

Hania Rani

Hania Rani é uma jovem pianista, vocalista e compositora que conta, no entanto, com uma já muito considerável discografia lançada. Estreou-se na Gondwana Records de Matthew Halsall em 2019 e, desde então, lançou já 5 novos trabalhos nessa que se tem afirmado como uma das editoras-chave da nova cena jazz britânica, incluindo o novíssimo “Ghosts” em que conta com colaborações de peso de artistas como Patrick Watson, Ólafur Arnalds e Duncan Bellamy (Portico Quartet).

Este seu mais recente trabalho foi apresentado com “Hello”, uma composição que assinalou uma evolução no seu trabalho, com uma toada mais otimista e um eloquente som de piano elétrico Fender Rhodes envolto em sintetizadores apontavam para um caminho bem distinto dos terrenos da clássica contemporânea com que era mais frequentemente associada. Mas qualquer pessoa que tenha visto Rani ao vivo nos últimos dois anos pode testemunhar que a sua arte está em constante evolução e, tal como o título do álbum sugere, Rani passa repetida e graciosamente entre mundos musicais: como compositora, cantora, compositora e produtora.

“Ghosts” revela uma artista a encontrar a sua própria voz, a encontrar novas histórias para contar e talvez a partilhar a sua música pela primeira vez. Baseia-se nos seus álbuns anteriores, “Esja” e “Home”, e mostra-a a criar ao piano, teclados e sintetizadores, instrumentos que servem de base para da sua voz misteriosa e encantadora. O álbum tem algo de misterioso, como o título sugere, uma aura acentuada pelo trabalho do arranjador islandês e membro dos Hjaltalín, Viktor Orri Árnason (Jóhann Jóhannsson, Hildur Guðnadóttir, Hauschka). O som sofisticado é da responsabilidade do engenheiro de som Greg Freeman (Peter Gabriel, Goldfrapp, Portico Quartet). O disco, de acordo com a própria artista, é ainda assim caloroso, surgindo informado por atuações ao vivo reveladoras e exploratórias, como a transmissão em direto de 2022 a partir do prestigiado Les Invalides, em Paris, que obteve 3,7 milhões de visualizações até à data. “Adoro álbuns longos”, diz Rani, “e gostaria que as pessoas ouvissem este álbum como um concerto, porque foi concebido desta forma”.

Se a estreia de Rani, “Esja”, foi sobre a exploração do seu instrumento principal, e “Home” viu-a dar passos em direção a uma expressão mais completa da sua arte, “Ghosts” é onde ela une os seus variados interesses no que pode até ser considerado o seu primeiro álbum “real”. Baseando-se numa afeição por diversos artistas como Enya, The Smile, James Blake e Pink Floyd – para não mencionar a sua admiração pelos seus convidados – e evocando a delicadeza de Stina Nordenstam, o talento de Keith Jarrett, a arte de Kate Bush e as inclinações sondadoras dos Pink Floyd, combina a experiência musical de uma vida inteira num mundo miraculoso e cósmico. Para aplaudir ao vivo em Portugal.

Antti Paalanen

O músico e compositor Antti Paalanen (n. 1977) tem-se destacado no domínio da música popular contemporânea finlandesa desde há muitos anos. Antti Paalanen faz a sua música no acordeão bisonórico (diatónico), um instrumento comum na música folclórica finlandesa do século passado. Paalanen tem utilizado um estilo de execução orgânico, novas técnicas e novas sonoridades expressivas para expandir o potencial do instrumento de modo a abranger uma variedade de géneros.

Paalanen é originário da Ostrobótnia do Sul, uma região rica na tradição pelimanni (“músico tradicional”) da música folclórica finlandesa. Entre 1989 e 1996, Paalanen ganhou quatro vezes o campeonato finlandês de pelimanni no acordeão diatónico e ficou em segundo lugar no campeonato mundial de acordeão diatónico na Áustria em 1999. Inscreveu-se no Departamento de Música Popular da Academia Sibelius em 1997 e concluiu o seu Mestrado em Música em 2006. Em 2015, concluiu o doutoramento na Academia Sibelius da Universidade das Artes de Helsínquia.

Paalanen lançou quatro álbuns a solo: ÄÄRELÄ (2007), BREATHBOX (2010), MELUTA (2014) e RUJO (2019). Meluta foi nomeado para o Prémio de Música do Conselho Nórdico de 2016 e para o Prémio Teosto nacional em 2015. Os álbuns Breathbox e Rujo foram nomeados para o Etno Album of the Year 2011 e 2020 na gala anual Emma Gala, que é igual aos Grammy’s na Finlândia. Paalanen participou na exposição mundial de música WOMEX, em Copenhaga, em 2011. Após o seu sucesso na WOMEX, actuou amplamente na Europa, Japão e Canadá. Paalanen é um músico e compositor ativo em vários contextos na Finlândia. Até à data, participou em 15 álbuns de várias bandas, contribuindo com composições e arranjos. Escreveu música para o palco e trabalhou como músico de palco no Teatro Nacional Finlandês e noutros grandes teatros finlandeses.

Fernando Cunha

Fernando Cunha é uma daquelas figuras sem as quais é impossível contar a rica história do pop-rock em Portugal: a sua particular história nasce nos Delfins, passa pela Resistência e pelo colectivo Ar de Rock e desagua em 25 anos de percurso a solo que em 2023 teve tradução e celebração no álbum A Linha do Tempo – Ao Vivo em Lisboa. Também em 2023, Fernando Cunha teve a oportunidade de, rodeado de amigos e colaboradores, esse importante marco de carreira em nome próprio com dois grandes concertos que mereceram os mais veementes aplausos do público no festival O Sol da Caparica e também nas sempre muito concorridas Festas do Mar, em Cascais.

Para 2024, o músico veterano imaginou uma digressão especial a que chamará Do Mar ao Cais. Ocupando-se em palco da guitarra e da voz, Fernando Cunha far-se-á acompanhar por João Campos em voz e guitarra acústica, João Gomes nos teclados e coros, João Alves na guitarra eléctrica e coros, Philippe Keil no baixo e Francisco Cunha na bateria – os Invisíveis, banda rodada e com muita experiência que tem acompanhado o músico em muitos quilómetros de estrada. Juntos, interpretam novas e bem originais versões de clássicos como “Ao Passar Um Navio” e muitos dos temas que Fernando Cunha foi criando nesse quarto de século muito preenchido de música, de “Vou Sorrir” a “Se Eu Pudesse Um Dia”.

Em concertos mais especiais, como aconteceu nas supra-citadas passagens pel’O Sol da Caparica ou pelas Festas do Mar de Cascais, Fernando Cunha poderá chamar convidados especiais como Olavo Bilac (Resistência/Santos e Pecadores), Rui Pregal da Cunha (Heróis do Mar/LX 90), Paulo Costa (Ritual Tejo) ou Maria Leon (Ravel/ Ar de Rock/Chameleon Collective), argumentos adicionais para um espectáculo cuidado e enérgico que se desenrola como uma celebração da vida, do rock e da amizade e capaz, por isso mesmo, de tocar os públicos mais diversos.

Brushy One String

Brushy, the rural Jamaican bluesman, brings the world together with a one-string guitar.

When film-maker Luciano Blotta walked out of a recording studio in rural Jamaica, far away from tourists and music lovers, he saw something extremely unusual: a man with an instrument. Even more surprising was the fact that the instrument in question – a worn but resonant acoustic guitar – had only one string.
Blotta had just met Brushy One-String (born Andrew Chin), the son of a family of musicians who, despite his difficult life, had a seemingly innate ability to inspire and move even casual listeners – including millions of people who watched and shared his videos on YouTube.
On his first studio album, Destiny, the veteran musician evokes the sweetness of soul singers like Percy Sledge and Louis Armstrong, the grit and wit of Delta bluesmen, all mixed with a Jamaican pulse and ingenuity that shows that the island’s music is much more than reggae. Heartfelt blues combine with dancehall-style vocals on “Grey in my Blue”, while upbeat, catchy ballads like “Life is for Every Man” channel an emotional intensity and deep faith.

“If we can change the words and melodies and bring back love, we can have a balance between God and man,” reflects Brushy. “That’s what we need to unite the world.”.
Brushy One String

Maria João

Maria João’s name is indelibly linked to the history of Portuguese jazz. Exactly 40 years ago, in 1983, her debut at Orfeu with the eponymous recording by the Quinteto Maria João marked the beginning of a unique path that established her as one of the leading figures on the national music scene, a status she still maintains today thanks to a permanent capacity for reinvention and an incessant search for new and stimulating artistic paths. It could even be said that the work of Maria João, a complete artist, is the result of a state of permanent revolution, a manifestation of freedom that has taken her from the deepest acoustic traditions to the electronic present and future with the same ease.

In these four decades of intense journey, Maria João has never rested and has constantly challenged herself: She has led her own quintet, been a member of the Ogre collective, established long partnerships with musicians such as pianist Mário Laginha or bassist Carlos Bica – with whom, by the way, she has just released a new album – and has also recorded extensively with international artists such as Japanese pianist Aki Takase, Joe Zawinul and Trilok Gurtu and national artists such as the already mentioned Carlos Bica and Mário Laginha, or Laurent Filipe, António Pinho Vargas, Jorge Palma, José Peixoto, Julio Pereira and many others.

The new chapter in this ever-open story is Maria João Revolution, an aggregating way for the artist to show herself to be plural, fitting her different interests into a new vision that can start from jazz and reach electronics in a single song, reduce the setting for her voice to the notes of a piano or look for innovative solutions for her ultra-versatile voice. on the album, Maria João Revolution will touch on the multiple aesthetics that the singer has always embraced, with a new repertoire that promises to surprise.

But it will be on stage that Maria João will first show herself, with a flexible line-up capable of adapting to different spaces and contexts, but always with the most inventive spirit of adventure guiding her creative approach to some of the most significant moments in her celebrated career. A show to win over new audiences and please old fans.

With a long history of performing on prestigious stages on five continents and receiving multiple distinctions from the international press and industry for her versatility, originality and musical inventiveness, values she carries with her into each new chapter of her career, Maria João continues to look forward. And four decades after she began documenting her unbridled passion for music on records, Maria João is still looking for new challenges that will allow her to continue giving full voice to her imagination. An absolutely unique case.

Thylacine

THYLACINE é o projeto do produtor e músico francês William Rezé. A palavra é a designação científica do lobo da tasmânia, uma espécie que se extinguiu há cerca de 70 anos. E tal facto oferece um vislumbre do maravilhoso mundo imaginado musicalmente por Rezé onde se identificam ecos de música
clássica do período romântico, de experimentações minimais dos grandes compositores do século XX e diferentes variantes do vasto universo da música eletrónica – do trip hop ao techno e daí à música ambiental.

Somando mais de meio milhão de ouvintes mensais no Spotify e acumulando quase 200 milhões de plays na mesma plataforma, THYLACINE não é, no entanto, um fenómeno obscuro, antes um criador de amplo alcance e ressonância que conquistou o mundo graças a uma música que tem tanto de imaginativo como de apelativo. 9 Pieces é o seu projeto mais recente, um
álbum composto por oito evocativas peças inspiradas em viagens, da paisagens geladas da Noruega às margens do Bósforo, música onde a eletrónica ou o som orgânico do saxofone e do piano que também toca se combinam de forma arrebatadora.