Aukai

Aukai (havaiano) refere-se a um marinheiro, um viajante. Também evoca uma natureza mística, filosófica e introspectiva. O nome perfeito para o projeto do multi-instrumentista e compositor Markus Sieber.
Trata-se de uma coleção de paisagens sonoras acústicas ambientais que levam o ouvinte numa viagem interior a um lugar de quietude e beleza tranquila.

A expressão “contos instrumentais” é adequada. Soturnas, evocativas, delicadamente ligadas, as peças são breves, mas assombrosas. Permanecem com o ouvinte muito depois de os sons se terem desvanecido, como neve a derreter suavemente numa encosta ensolarada.

Todas elas apresentam o toque matizado e expressivo de Sieber no Charango, um instrumento de cordas dedilhadas, semelhante a um bandolim, originário dos Andes, que ocupou o lugar central em toda a sua obra até à data. “Tem um som de outro mundo, hipnotizante e sonhador, que eu adoro”, explica. “Vem dos Andes e o seu som transmite literalmente a experiência de estar no alto das montanhas, uma sensação de espaço e liberdade.”

O seu percurso pessoal tem sido muito atribulado. Nascido perto de Leipzig, na Alemanha de Leste, 15 anos antes da queda do muro, os seus pais mudaram-se para uma antiga casa rústica e simples numa aldeia nos arredores de Dresden quando ele tinha seis anos. No verão, Sieber passava os tempos livres a nadar ou a praticar shing nos rios Zschopau e Mulde e, no inverno, a patinar no gelo, a andar de trenó e a esquiar. Nestes primeiros anos de infância já se tinha estabelecido uma forte ligação à natureza, que permaneceu desde então na sua vida como uma fonte importante para o seu trabalho criativo.

Aos 16 anos, mudou-se para Potsdam, perto de Berlim, e tocou como guitarrista em bandas de rock alternativo, fazendo parte da vibrante cena rock dos anos 90 da Alemanha de Leste, antes de se dedicar ao trabalho como ator de teatro, cinema e televisão em Berlim e São Petersburgo. Uma mudança de vida para o México colocou-o em contacto com a música mundial e indígena, despertando uma nova missão musical.

Como qualquer músico, Markus Sieber está habituado a ir mais longe para fazer a música que ouve na sua cabeça e sente no seu coração.
“A música, diz ele, tem este potencial incrível de nos levar a um estado intemporal: um mundo de imagens e sensações, memórias e emoções. Por vezes, ao fazê-la, pode invocar uma sensação nostálgica de experiências passadas, a que se juntam alguns dos meus sentimentos actuais, fundindo o passado e o presente de modo a que, de certa forma, o tempo desapareça. Dentro desta intemporalidade, o ouvinte e eu podemos encontrar um espaço para nos encontrarmos e partilharmos.”

Wallners


O fantástico grupo dream pop de quatro irmãos vienenses chama-se Wallners
Se não tivessem crescido debaixo do mesmo teto, os quatro Wallners, Nino, Max e as gémeas Anna e Laurenz, nunca teriam acabado numa banda, dizem-nos com uma gargalhada. A única coisa em que concordam é que os Daft Punk são a sua banda favorita e já estão a trabalhar em faixas que fariam dançar as duas lendas francesas da eletrónica. De momento, porém, a música dos recém-chegados Wallners lembra muito mais a banda sonora de um sonho acordado, que nos leva a mundos paralelos místicos e que deixa os sentimentos marcarem o ritmo, especialmente o sentimento de saudade. Os Wallners evocam os sons suaves e sedutores de Rhye, o desgosto de um James Blake e de uma Lana Del Rey na forma como trabalham e fazem-nos lembrar dois outros irmãos que estão na boca de toda a gente: Billie Eilish e o seu irmão Finneas. Devido à sua proximidade e familiaridade, os Wallner também não têm de discutir muito uns com os outros; entendem-se cegamente e produzem em casa.

Mas os quatro irmãos Wallner têm algo em comum: são todos grandes consertadores e mentes criativas que trabalham em canções individuais durante um ano no máximo – não tanto adicionando camada sobre camada, mas muito pelo contrário, expondo o núcleo das canções. É uma música de redução, de minimalismo condensado e substancial. Levados pela voz hipnótica de Anna Wallner, os Wallners provam que a ternura e a força não têm de ser mutuamente exclusivas. As canções envolvem os ouvintes, que se deixam imediatamente levar pelos arranjos, tal como acontece com uma canção de embalar. Os Wallners estão entusiasmados por apresentar ao mundo a sua música espantosamente onírica. O seu primeiro EP chama-se “Prolog 1” e já foi lançado pela Universal Music Austria.

Kadebostany

2024: nova formação, nova música, nova identidade visual e um novo espetáculo ao vivo. Após o sucesso do álbum “Play This at My Funerals”, lançado em junho de 2023, e de uma digressão esgotada pela Europa, os Kadebostany estão prontos para embarcar na sua digressão de 2024. O novo espetáculo ao vivo apresentará uma nova e excitante formação, uma banda completa ao vivo com 3 cantores e uma secção de cornetas rodeada por ataques de sintetizadores modulares. Este novo espetáculo apresenta as canções clássicas que conhece e a música de marca. Criado pelo compositor/produtor Guillaume de Kadebostany, também conhecido como President Kadebostan, Kadebostany destacou-se com vários singles no topo das tabelas, como “Castle in the Snow”, “Mind if I Stay”, “Early Morning Dreams, ‘Walking with a Ghost’, ‘Save Me’, a nova versão de ‘Crazy in Love’ de Beyoncé (50 Shades of Grey) ou, mais recentemente, ‘Wild in Secret’.

Raül Refree & Maria Mazzotta

NEW RECORD TO BE RELEASED BY GLITTERBEAT AND NEW TOUR JAN’26

This is a project that was forged little by little, pushed by proposals from festivals and without the rush of a recording obligation.

When Raül received an email from Maria Mazzotta to work together he had to refuse due to his busy agenda, but he fell in love with her voice. After a few years, on a trip to Puglia in April 2022 they took the opportunity to meet and play together. At that meeting Maria taught him many songs from the traditional repertoire of southern Italy and while they ate she told him the story of the pizzica taranta and what it meant in the society of southern Italy in the early twentieth century: women suffering from depression were told that they had been bitten by a tarantula and the only antidote to overcome the sadness that possessed them was to enter into a trance to the rhythm of the pizzica, dancing, singing and screaming in a way that in society was not allowed.

When the Festival Clássics held in Barcelona commissioned Raül to write a piece about metamorphosis, he immediately thought of rescuing the repertoire that Maria had taught him in Puglia and reinterpret it to explain how music can be an antidote

and healing for sorrows and transform us into other people, into celestial bodies that float in space forgetting their bodies. Raül’s idea was to explain the need to enter into a trance by musically drawing an arc that perfectly described the society of the time: lullabies, funeral songs, religious melodies… until reaching the pizzica and its pagan and wild message.

These stories of Southern Italy in which they found liberation in musical trance are not far from the Greek Bacchantes where women conquer a territory in the mountains where they do not let men enter and eat raw meat, drink blood and adopt madness as a mechanism of expression. For this reason, in this re-interpretation of Apulian folklore, Raül has wanted to include a chorus of young women who sing in a popular way that broadens the liberating and feminine character of this repertoire.

The album starts from classic instruments of our history and liturgical music such as voice, choir, organ and guitar to build a popular and at the same time contemporary re-reading that disarms for its beauty but also for the depth of a sound that at times plays with emptiness and silence and at others seeks the avant-garde sound. A work that with small gestures says a lot and that narrates in itself a story arc that, passing through religion, work and grief, leads us to the need to sing as a liberation and as a personal and social reaffirmation.

About RAÜL REFREE

RAÜL REFREE is an artist of a kind and one of the most innovative european producers of the last decade. Known for his innovative approach to music and his ability to transcend traditional genre boundaries. he has made significant contributions to the contemporary music scene through his work with a diverse range of artists. Refree’s production style is characterized by its experimental edge and sensitivity, often blending elements of flamenco, folk, and electronic music to create rich, textured soundscapes. He has collaborated with notable musicians such as Rosalía, Silvia Pérez Cruz, LINA_, Lee Ranaldo, Niño de Elche, Rodrigo Cuevas and many more helping to craft critically acclaimed albums that push artistic boundaries. As a solo artist, Refree continues to explore new musical territories, showcasing his versatility and commitment to artistic exploration. His work not only highlights his technical prowess but also his deep understanding of music as a form of expression and storytelling.

About MARIA MAZZOTTA

Maria Mazzotta’s unique versatility makes her one of the most important voices of the music scene in the Apulia region of Italy and undoubtedly of the music of the World.
She was part of Canzoniere Grecanico Salentino; a band she recorded 6 albums with, participating in some of the most important international world music festivals.

Maria also integrated Notte della Taranta Orchestra directed by M° Ambrogio Sparagna. From 2011 to 2014, she was the soloist voice of the same festival under the direction of M° Ludovico Einaudi, M° Goran Bregovic, and M° Giovanni Sollima and has countless collaborations(Ibrahim Maalouf, Justin Adams, Rita Marcotulli, Piers Faccini or Redi Hasa to name a few)

José Peixoto e Nuno Cintrão

A Visit to Carlos Parede’s music
New tour from March ´25

WHO IS CARLOS PAREDES
Carlos Paredes was a legendary Portuguese composer and virtuoso of the Portuguese guitar, renowned for his profound impact on the world of Portuguese instrumental music. His legacy continues to inspire musicians and music lovers, solidifying his status as one of Portugal’s most cherished cultural icons.
Carlos Paredes centenary is celebrated in 2025

WITHIN PAREDE’S MUSIC
In the year that marks the centenary of Portuguese composer Carlos Paredes’ birth, guitarists and composers José Peixoto and Nuno Cintrão pay tribute to the immortal legacy of his music. Drawing on the references, inspiration and complicity of their work in the duo Combinatorium, with which they released the album Fragmentos Imaginários (2022), now the musicians propose to explore and reinvent the sound universe of the master of Portuguese guitar.

ABOUT JOSÉ PEIXOTO
José Peixoto is a renowned guitarist, composer and producer from Portugal, celebrated for his exceptional skill and innovative approach to music. With a background steeped in classical guitar, Peixoto has carved a niche for himself in the contemporary music scene, blending traditional Portuguese styles with modern influences. With a vast discography his compositions often reflect a deep emotional resonance, showcasing his ability to convey complex feelings through melody and rhythm.. His dedication to the craft and his distinctive sound continues to inspire both audiences and aspiring musicians alike.

In addition to his recent and award-winning group, LST Lisboa String Trio, José Peixoto has collaborated with a variety of notable artists, most prominently with the renowned Portuguese group Madredeus. His work with the ensemble has been instrumental in blending traditional Portuguese music with contemporary elements, enhancing the group’s unique sound. Additionally, Peixoto has partnered with internationally renowned Jazz singer Maria João, just to name a few.These collaborations have allowed him to explore different musical styles and expand his artistic horizons. Peixoto’s ability to work with diverse musicians showcases his versatility and commitment to enriching the Portuguese music scene, making him a significant figure in contemporary music.

ABOUT NUNO CINTRÃO
Guitarist, composer, and multidisciplinary artist, Nuno Cintrão is a versatile musician dedicated to the experimentation and construction of sound objects, as well as the creation of multidisciplinary performances. He regularly composes for dance and theater, with over 50 original soundtracks to his name.

Cintrão is known for his dynamic performances and his innovative approach to music, which integrates a unique blend of genres, incorporating elements of rock, jazz, and traditional Portuguese sounds. His dedication to pushing musical boundaries and exploring new sounds has earned him a dedicated following and critical acclaim.

As a guitarist, he accompanied Teresa Salgueiro (former Madredeus) on the Horizonte album tour and formed the duo Combinatorium with guitarist José Peixoto, with whom he released the album Fragmentos Imaginários (2023). He has been a regular presence in the cultural programming of theaters, auditoriums, throughout the country, both on the mainland and the islands, in addition to frequently presenting his projects on renowned international stages and festivals in countries such as Belgium, Hungary, Germany, Italy, Spain, Brazil, Macau, and Cape Verde.

 

Yumi Ito

Com a sua voz, Yumi Ito cria mundos muito para além de todas as fronteiras. A cantora suíça com raízes polaco-japonesas é considerada uma das mais destacadas representantes da improvisação vocal e actua sem esforço e opera sem esforço entre géneros, bem como entre os seus papéis de cantora, pianista, compositora e improvisadora, pianista, compositora e improvisadora. Consequentemente, a música de Ito de Ito é diversificada, um verdadeiro oceano de art-pop, jazz e neoclássico. Com base em inúmeros concertos e digressões, o músico actua como um mestre zen – claro, reflexivo e com uma energia única e poderosa. Yumi Ito actua num trio, que inclui o “poeta do tambor” espanhol Iago Fernández espanhol Iago Fernández e o baixista israelita Nadav Erlich. Sempre em foco: a criação de mundos musicais em nome do sem limites.

A SWR2 Jazz nomeou-a uma das descobertas vocais de 2020 e a revista Jazz thing selecionou o seu álbum “Stardust Crystals” entre os melhores lançamentos de 2020. Yumi Ito vive e trabalha em Basileia e Zurique, actua regularmente regularmente em todo o mundo e partilhou o palco com artistas artistas como Al Jarreau, Becca Stevens e Mark Turner.
Yumi Ito actuou no Blue Note Jazz Festival em Nova Iorque (EUA), Montreux Jazz Festival (CH), Jazzmandu Jazzmandu (NP), Jazz Juniors Kraków (PL), Nigran Jazz Festival (ES), Vejer Jazz Festival (ES), Schaffhauser Jazz Festival (CH), Jazz Festival Basel “offbeat” (CH) e muitos outros.

Ito é, entre outros, um vencedor do prémio do Montreux Jazz Competition (2015), foi escolhido por Wolfgang Muthspiel para a Focus Year Band (2017-2018) e recebeu o prémio High Priority Jazz Promotion da Pro Helvetia (2022-2024) com a sua banda.

Nils Hoffman

O produtor berlinense vem ao nosso país com o novo disco “Running In a Dream” (lançado pela editora Anjunadeep), trabalho que firma um admirável percurso em ascensão, posicionando-o como um dos mais excitantes jovens artistas da eletrónica mundial. Este novo trabalho sucede aoaclamado “A Radiant Sign” (2022), que chegou ao primeiro lugar nas tabelas de dança do iTunes aquando do seu lançamento, conseguindo também o importante reconhecimento dosseus pares – como os DJs Maceo Plex, Joris Voorn e Eelke Kleijn – assim como o apoio de algumas das principais plataformas e rádios internacionais como a BBC Radio 1, SiriusXM Chill e KCRW.

Moldado pela música e pela cultura eletrónica alemãs, Nils Hoffmann tem formação em piano clássico e cresceu a ouvir nomes como Paul Kalkbrenner e Trentemoller. Inspirado na house progressiva e melódica, até à data, o produtor de 28 anos já acumulou 120 milhões de streams em todas as plataformas. Hoffmann atuou em alguns dos principais festivais de verão como o Tomorrowland ou o Echelon Festival e secundou atuações de nomes como Ben Bohmer, Gorgon City, Franky Wah, Stephan Bodzin ou Tiga.

Com o lançamento do novo trabalho, Nils Hoffman embarca numa digressão mundial que passa pela Austrália, Estados Unidos e pelo continente europeu, com paragem obrigatória em novembro, no Misty Fest.

Tony Ann

Um virtuoso de profissão, Tony Ann é um pianista solo com grandes ideias. Ele funde os estilos do novo e do antigo com um efeito de cortar a respiração.

Como um autoproclamado conhecedor de harmonia, Ann está sempre a pensar em formas de não só ultrapassar os limites da música neoclássica e instrumental, mas também da música popular. Embora Ann possa estar limitada à música sem palavras, utiliza com sucesso todas as oitenta e oito teclas a seu favor com composições originais repletas de emoção, técnica e alcance. Com mais de 100 milhões de visualizações e mais de 4 milhões de seguidores nas redes sociais, Ann tem navegado no mundo online com grande sucesso, introduzindo as gerações mais jovens às ideias neoclássicas, especialmente através da sua série “#playthatword”. Utilizando o alfabeto escrito no seu teclado, Ann criou composições originais com base em palavras que lhe foram apresentadas pelo seu público, tendo muitas destas peças sido lançadas oficialmente. Este ano, Ann lançou uma trilogia de EPs (EMOTIONALLY BLUE, ORANGE e RED) em parceria com a Decca Records France (Universal Music Group) como parte de uma série de 15 faixas que exploram as muitas emoções da experiência humana. Para além do seu trabalho a solo, Tony adora a colaboração, tendo lançado faixas com Don Diablo, Wrabel e L.Dre, mostrando a sua elasticidade musical e vontade de mergulhar em diferentes géneros, como EDM, Lofi e Pop. Para além disso, Ann gostou de trabalhar com os The Chainsmokers, tendo participado na coautoria dos singles de platina dos EUA “Sick Boy” e “Call You Mine (feat. Bebe Rexha)”, bem como do single de ouro dos EUA “Side Effects (feat. Emily Warren)”. Ann também teve o prazer de fazer uma digressão com eles como teclista oficial na digressão norte-americana de arena “Memories: Do Not Open”, que também incluiu actuações no SNL e no Good Morning America. Depois de uma recente residência de 4 espectáculos esgotados no Le 360 em Paris, Tony está entusiasmado por levar o seu espetáculo de fusão de géneros a palcos distantes, começando com uma digressão europeia em abril de 2024.

Margareth Menezes

MARGARETH MENEZES é uma das maiores representantes da música baiana. Mais conhecida pela sua música contagiante e voz estrondosa, pelas suas actuações no Carnaval e pelo seu talento bruto como atriz de sucesso na televisão e no grande ecrã, é oriunda de uma família negra dos arredores de Salvador.
Desde os seus humildes começos na vibrante capital do estado da Bahia até à sua recente e espantosa nomeação pelo atual presidente do Brasil, Lula da Silva, como Ministra da Cultura do seu gabinete, foi um longo caminho.

“O presidente Lula acredita na cultura. Durante seis anos, a cultura no Brasil foi absolutamente abandonada pelo governo. O sector cultural foi completamente minado e isso foi muito prejudicial para o sector cultural, para os artistas. […] A cultura incomoda porque é a expressão da democracia e dos seus direitos.” – Margareth Menezes Ministra da Cultura do Brasil

Desde os anos 80, foi uma das primeiras a trazer para os palcos dos concertos a agitação em altos decibéis associada aos trios eléctricos baianos – as bandas de Carnaval conduzidas por camiões – e, desde então, o seu nome está ligado a outros artistas brasileiros de ascendência baiana de renome, como Gilberto Gil, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Daniela Mercury.

Seu álbum Elegibô, produzido por David Byrne, do Talking Head, trouxe fama global a Menezes antes mesmo de sua música ter alcançado o resto do Brasil fora da Bahia. Alcançou e permaneceu em primeiro lugar na parada de World Music da revista Billboard.

Em palco, Margareth Menezes é uma bola pirotécnica de energia. A sua voz, um instrumento rico e de tons escuros, grita e estala nas canções de ritmo acelerado e ronrona com uma sensualidade selvagem nos números mais lentos.

“Divindade do Egito”, por exemplo, é um hino de carnaval que está no topo das paradas desde o final dos anos 80; é praticamente impossível encontrar um brasileiro que nunca tenha cantado o refrão de “Eu falei faraó”. Com Menezes à frente do Ministério da Cultura, a música voltou com tudo, tocando em palcos, bares e clubes de todo o país. “Rollig Stone

Além de turnês internacionais, a cantora já se apresentou em copas do mundo, festivais como Montreux Jazz, Umbria Jazz, Rock in Rio, Brazilian Day, em NY e recebeu prêmios e homenagens em todo o mundo.

Quinteto Astor Piazzolla

Após a morte do lendário bandoneonista e compositor argentino, Laura Escalada Piazzolla criou a Fundação Astor Piazzolla com o objetivo de continuar o seu legado e promover uma nova etapa na divulgação da sua música. Para tal, em 1998, formou o Quinteto Astor Piazzolla, composto por cinco solistas virtuosos com carreiras de destaque, que partilham esteticamente as ideias do Maestro e que se formaram artisticamente sob a sua influência.

Pablo Mainetti (bandoneón), Nicolás Guerschberg (piano), Serdar Geldymuradov (violino), Armando de La Vega (guitarra), Daniel Falasca (contrabaixo) e Julián Vat (Direção Musical) são os responsáveis por interpretar e manter viva a vasta obra do compositor que revolucionou o tango.

A ideia de formar um quinteto remonta ao grupo mais transcendente do maestro Astor Piazzolla: o seu quinteto de bandoneon, violino, guitarra eléctrica, piano e contrabaixo. Criou-o em 1960 e foi a sua ferramenta preferida no processo de construção do Nuevo Tango, que desenvolveu ao longo dessa década.

Os músicos que o acompanhavam eram intérpretes notáveis e requintados que Piazzolla apreciava sobretudo pela sua capacidade de recriar a sua música, enriquecendo-a com as respectivas personalidades.

Piazzolla instalou-se então na Europa durante alguns anos e deixou temporariamente o quinteto de lado até 1978, altura em que o voltou a reunir com uma nova formação que o acompanhou até 1988 e o tornou famoso em todo o mundo. O repertório deste novo quinteto foi alimentado pelo Novo Tango dos anos sessenta e por composições que incorporavam novas ideias, incluindo algumas obras-primas.

Com mais de vinte anos de experiência, o Quinteto Astor Piazzolla realizou grandes digressões nos Estados Unidos, América Latina, Europa e Ásia, recebeu elogios unânimes da imprensa e recebeu importantes prémios internacionais, como o Grammy Latino para Melhor Álbum de Tango (2019).

Nos últimos anos, o grupo lançou quatro álbuns (Revolucionario, Fugata, En 3×4 e Triunfal) com um surpreendente grau de habilidade interpretativa, trazendo para a atualidade obras clássicas mas também as menos conhecidas do percurso musical de Piazzolla, que soam novas e frescas como se saíssem diretamente do pensamento do compositor.