Blog Archives

LINA_ & Marco Mezquida

Reply

LINA_ y Marco Mezquida están felices y emocionados de anunciar el lanzamiento de O Fado, su aventura musical, resultado de un diálogo intenso, creativo y apasionado. En una colaboración entre UGURU y Julio Quintas – Management & booking, el EP será distribuido digitalmente en todo el mundo por Galileo Music.

LINA_ & Marco Mezquida entregan un EP cuyo título no deja lugar a dudas, pero que ofrece un marco nuevo y distintivo para esta música que es patrimonio inmaterial del universo.

«Marco», explica LINA_, »aportó una gran ligereza a mi música. El piano es un instrumento muy completo, con el que siempre he tenido un estrecho contacto, pero con Marco hay algo diferente. Es como si el piano fuera una extensión de su cuerpo. Y su forma de abordarlo me hace flotar». La voz de LINA_, que ha sido objeto de muchos elogios en la prensa nacional e internacional, es de hecho un instrumento rico en sí mismo, que gana con estos diálogos cercanos con otros instrumentos de fuerte personalidad. Y, como saben quienes la han visto y oído sobre el escenario, le gusta volar.

El encuentro entre LINA_ y el pianista catalán Marco Mezquida fue natural, fruto de una profunda admiración mutua. Ambos artistas son conscientes de que estos encuentros dan lugar a algo que supera la suma de las partes, algo que ninguno de los dos sería capaz de lograr por sí solo.

La pasión que Mezquida reconoce sentir por la voz de LINA_ es correspondida por la fadista, que no escatima elogios para el lirismo que su compañera expone con tanta claridad en esta nueva aventura.

O Fado es un EP en el que LINA_ también demuestra sus dotes como compositora: en el tema que da título al disco, basado en un poema de Florbela Espanca que la propia fadista musicó, se aprecia la devoción de LINA_ por el género que la hizo famosa, pero también que su imaginación puede ir muy lejos, sin atarse a dogmas.
En este álbum, las artistas presentan un nuevo enfoque de los clásicos «Fado da Defesa» (que Maria Teresa de Noronha grabó sin utilizar el poema completo de António Calém, al que aquí se ha dado un nuevo espacio) y «Gota d’Água» de Flávio Gil. LINA_ toca el universo de la lengua castellana en «El Rosario de Mi Madre», un tema eternizado por María Dolores Pradera, legendaria cantante española, y en el que LINA_ adivinó vínculos con el fado, tal vez porque la melancolía poética expresada en el tema es, al fin y al cabo, universal.
«Es un repertorio muy orgánico y fluido», sugiere Marco Mezquida, en sintonía con la propia LINA_, que garantiza que el lugar que se construye en este nuevo disco es exactamente el que su voz quiere habitar en este momento.

O Fado es un proyecto que llevará a LINA_ y Marco Mezquida al público internacional en 2025, en una gira conjunta que los fans de ambos artistas esperan con naturalidad.

El EP salió a la venta el 14 de marzo de 2025 y será distribuido digitalmente en todo el mundo por Galileo Music. Se trata de una colaboración entre UGURU y Julio Quintas – Management & booking.

Aukai

Reply

Aukai (havaiano) refere-se a um marinheiro, um viajante. Também evoca uma natureza mística, filosófica e introspectiva. O nome perfeito para o projeto do multi-instrumentista e compositor Markus Sieber.
Trata-se de uma coleção de paisagens sonoras acústicas ambientais que levam o ouvinte numa viagem interior a um lugar de quietude e beleza tranquila.

A expressão “contos instrumentais” é adequada. Soturnas, evocativas, delicadamente ligadas, as peças são breves, mas assombrosas. Permanecem com o ouvinte muito depois de os sons se terem desvanecido, como neve a derreter suavemente numa encosta ensolarada.

Todas elas apresentam o toque matizado e expressivo de Sieber no Charango, um instrumento de cordas dedilhadas, semelhante a um bandolim, originário dos Andes, que ocupou o lugar central em toda a sua obra até à data. “Tem um som de outro mundo, hipnotizante e sonhador, que eu adoro”, explica. “Vem dos Andes e o seu som transmite literalmente a experiência de estar no alto das montanhas, uma sensação de espaço e liberdade.”

O seu percurso pessoal tem sido muito atribulado. Nascido perto de Leipzig, na Alemanha de Leste, 15 anos antes da queda do muro, os seus pais mudaram-se para uma antiga casa rústica e simples numa aldeia nos arredores de Dresden quando ele tinha seis anos. No verão, Sieber passava os tempos livres a nadar ou a praticar shing nos rios Zschopau e Mulde e, no inverno, a patinar no gelo, a andar de trenó e a esquiar. Nestes primeiros anos de infância já se tinha estabelecido uma forte ligação à natureza, que permaneceu desde então na sua vida como uma fonte importante para o seu trabalho criativo.

Aos 16 anos, mudou-se para Potsdam, perto de Berlim, e tocou como guitarrista em bandas de rock alternativo, fazendo parte da vibrante cena rock dos anos 90 da Alemanha de Leste, antes de se dedicar ao trabalho como ator de teatro, cinema e televisão em Berlim e São Petersburgo. Uma mudança de vida para o México colocou-o em contacto com a música mundial e indígena, despertando uma nova missão musical.

Como qualquer músico, Markus Sieber está habituado a ir mais longe para fazer a música que ouve na sua cabeça e sente no seu coração.
“A música, diz ele, tem este potencial incrível de nos levar a um estado intemporal: um mundo de imagens e sensações, memórias e emoções. Por vezes, ao fazê-la, pode invocar uma sensação nostálgica de experiências passadas, a que se juntam alguns dos meus sentimentos actuais, fundindo o passado e o presente de modo a que, de certa forma, o tempo desapareça. Dentro desta intemporalidade, o ouvinte e eu podemos encontrar um espaço para nos encontrarmos e partilharmos.”

Wallners

Reply


O fantástico grupo dream pop de quatro irmãos vienenses chama-se Wallners
Se não tivessem crescido debaixo do mesmo teto, os quatro Wallners, Nino, Max e as gémeas Anna e Laurenz, nunca teriam acabado numa banda, dizem-nos com uma gargalhada. A única coisa em que concordam é que os Daft Punk são a sua banda favorita e já estão a trabalhar em faixas que fariam dançar as duas lendas francesas da eletrónica. De momento, porém, a música dos recém-chegados Wallners lembra muito mais a banda sonora de um sonho acordado, que nos leva a mundos paralelos místicos e que deixa os sentimentos marcarem o ritmo, especialmente o sentimento de saudade. Os Wallners evocam os sons suaves e sedutores de Rhye, o desgosto de um James Blake e de uma Lana Del Rey na forma como trabalham e fazem-nos lembrar dois outros irmãos que estão na boca de toda a gente: Billie Eilish e o seu irmão Finneas. Devido à sua proximidade e familiaridade, os Wallner também não têm de discutir muito uns com os outros; entendem-se cegamente e produzem em casa.

Mas os quatro irmãos Wallner têm algo em comum: são todos grandes consertadores e mentes criativas que trabalham em canções individuais durante um ano no máximo – não tanto adicionando camada sobre camada, mas muito pelo contrário, expondo o núcleo das canções. É uma música de redução, de minimalismo condensado e substancial. Levados pela voz hipnótica de Anna Wallner, os Wallners provam que a ternura e a força não têm de ser mutuamente exclusivas. As canções envolvem os ouvintes, que se deixam imediatamente levar pelos arranjos, tal como acontece com uma canção de embalar. Os Wallners estão entusiasmados por apresentar ao mundo a sua música espantosamente onírica. O seu primeiro EP chama-se “Prolog 1” e já foi lançado pela Universal Music Austria.

Yumi Ito

Reply

Com a sua voz, Yumi Ito cria mundos muito para além de todas as fronteiras. A cantora suíça com raízes polaco-japonesas é considerada uma das mais destacadas representantes da improvisação vocal e actua sem esforço e opera sem esforço entre géneros, bem como entre os seus papéis de cantora, pianista, compositora e improvisadora, pianista, compositora e improvisadora. Consequentemente, a música de Ito de Ito é diversificada, um verdadeiro oceano de art-pop, jazz e neoclássico. Com base em inúmeros concertos e digressões, o músico actua como um mestre zen – claro, reflexivo e com uma energia única e poderosa. Yumi Ito actua num trio, que inclui o “poeta do tambor” espanhol Iago Fernández espanhol Iago Fernández e o baixista israelita Nadav Erlich. Sempre em foco: a criação de mundos musicais em nome do sem limites.

A SWR2 Jazz nomeou-a uma das descobertas vocais de 2020 e a revista Jazz thing selecionou o seu álbum “Stardust Crystals” entre os melhores lançamentos de 2020. Yumi Ito vive e trabalha em Basileia e Zurique, actua regularmente regularmente em todo o mundo e partilhou o palco com artistas artistas como Al Jarreau, Becca Stevens e Mark Turner.
Yumi Ito actuou no Blue Note Jazz Festival em Nova Iorque (EUA), Montreux Jazz Festival (CH), Jazzmandu Jazzmandu (NP), Jazz Juniors Kraków (PL), Nigran Jazz Festival (ES), Vejer Jazz Festival (ES), Schaffhauser Jazz Festival (CH), Jazz Festival Basel “offbeat” (CH) e muitos outros.

Ito é, entre outros, um vencedor do prémio do Montreux Jazz Competition (2015), foi escolhido por Wolfgang Muthspiel para a Focus Year Band (2017-2018) e recebeu o prémio High Priority Jazz Promotion da Pro Helvetia (2022-2024) com a sua banda.

Nils Hoffman

Reply

O produtor berlinense vem ao nosso país com o novo disco “Running In a Dream” (lançado pela editora Anjunadeep), trabalho que firma um admirável percurso em ascensão, posicionando-o como um dos mais excitantes jovens artistas da eletrónica mundial. Este novo trabalho sucede aoaclamado “A Radiant Sign” (2022), que chegou ao primeiro lugar nas tabelas de dança do iTunes aquando do seu lançamento, conseguindo também o importante reconhecimento dosseus pares – como os DJs Maceo Plex, Joris Voorn e Eelke Kleijn – assim como o apoio de algumas das principais plataformas e rádios internacionais como a BBC Radio 1, SiriusXM Chill e KCRW.

Moldado pela música e pela cultura eletrónica alemãs, Nils Hoffmann tem formação em piano clássico e cresceu a ouvir nomes como Paul Kalkbrenner e Trentemoller. Inspirado na house progressiva e melódica, até à data, o produtor de 28 anos já acumulou 120 milhões de streams em todas as plataformas. Hoffmann atuou em alguns dos principais festivais de verão como o Tomorrowland ou o Echelon Festival e secundou atuações de nomes como Ben Bohmer, Gorgon City, Franky Wah, Stephan Bodzin ou Tiga.

Com o lançamento do novo trabalho, Nils Hoffman embarca numa digressão mundial que passa pela Austrália, Estados Unidos e pelo continente europeu, com paragem obrigatória em novembro, no Misty Fest.

Tony Ann

Reply

Um virtuoso de profissão, Tony Ann é um pianista solo com grandes ideias. Ele funde os estilos do novo e do antigo com um efeito de cortar a respiração.

Como um autoproclamado conhecedor de harmonia, Ann está sempre a pensar em formas de não só ultrapassar os limites da música neoclássica e instrumental, mas também da música popular. Embora Ann possa estar limitada à música sem palavras, utiliza com sucesso todas as oitenta e oito teclas a seu favor com composições originais repletas de emoção, técnica e alcance. Com mais de 100 milhões de visualizações e mais de 4 milhões de seguidores nas redes sociais, Ann tem navegado no mundo online com grande sucesso, introduzindo as gerações mais jovens às ideias neoclássicas, especialmente através da sua série «#playthatword». Utilizando o alfabeto escrito no seu teclado, Ann criou composições originais com base em palavras que lhe foram apresentadas pelo seu público, tendo muitas destas peças sido lançadas oficialmente. Este ano, Ann lançou uma trilogia de EPs (EMOTIONALLY BLUE, ORANGE e RED) em parceria com a Decca Records France (Universal Music Group) como parte de uma série de 15 faixas que exploram as muitas emoções da experiência humana. Para além do seu trabalho a solo, Tony adora a colaboração, tendo lançado faixas com Don Diablo, Wrabel e L.Dre, mostrando a sua elasticidade musical e vontade de mergulhar em diferentes géneros, como EDM, Lofi e Pop. Para além disso, Ann gostou de trabalhar com os The Chainsmokers, tendo participado na coautoria dos singles de platina dos EUA «Sick Boy» e «Call You Mine (feat. Bebe Rexha)», bem como do single de ouro dos EUA «Side Effects (feat. Emily Warren)». Ann também teve o prazer de fazer uma digressão com eles como teclista oficial na digressão norte-americana de arena «Memories: Do Not Open», que também incluiu actuações no SNL e no Good Morning America. Depois de uma recente residência de 4 espectáculos esgotados no Le 360 em Paris, Tony está entusiasmado por levar o seu espetáculo de fusão de géneros a palcos distantes, começando com uma digressão europeia em abril de 2024.

Margareth Menezes

Reply

MARGARETH MENEZES é uma das maiores representantes da música baiana. Mais conhecida pela sua música contagiante e voz estrondosa, pelas suas actuações no Carnaval e pelo seu talento bruto como atriz de sucesso na televisão e no grande ecrã, é oriunda de uma família negra dos arredores de Salvador.
Desde os seus humildes começos na vibrante capital do estado da Bahia até à sua recente e espantosa nomeação pelo atual presidente do Brasil, Lula da Silva, como Ministra da Cultura do seu gabinete, foi um longo caminho.

«O presidente Lula acredita na cultura. Durante seis anos, a cultura no Brasil foi absolutamente abandonada pelo governo. O sector cultural foi completamente minado e isso foi muito prejudicial para o sector cultural, para os artistas. […] A cultura incomoda porque é a expressão da democracia e dos seus direitos.» – Margareth Menezes Ministra da Cultura do Brasil

Desde os anos 80, foi uma das primeiras a trazer para os palcos dos concertos a agitação em altos decibéis associada aos trios eléctricos baianos – as bandas de Carnaval conduzidas por camiões – e, desde então, o seu nome está ligado a outros artistas brasileiros de ascendência baiana de renome, como Gilberto Gil, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Daniela Mercury.

Seu álbum Elegibô, produzido por David Byrne, do Talking Head, trouxe fama global a Menezes antes mesmo de sua música ter alcançado o resto do Brasil fora da Bahia. Alcançou e permaneceu em primeiro lugar na parada de World Music da revista Billboard.

Em palco, Margareth Menezes é uma bola pirotécnica de energia. A sua voz, um instrumento rico e de tons escuros, grita e estala nas canções de ritmo acelerado e ronrona com uma sensualidade selvagem nos números mais lentos.

«Divindade do Egito», por exemplo, é um hino de carnaval que está no topo das paradas desde o final dos anos 80; é praticamente impossível encontrar um brasileiro que nunca tenha cantado o refrão de «Eu falei faraó». Com Menezes à frente do Ministério da Cultura, a música voltou com tudo, tocando em palcos, bares e clubes de todo o país. «Rollig Stone

Além de turnês internacionais, a cantora já se apresentou em copas do mundo, festivais como Montreux Jazz, Umbria Jazz, Rock in Rio, Brazilian Day, em NY e recebeu prêmios e homenagens em todo o mundo.

Quinteto Astor Piazzolla

Reply

Após a morte do lendário bandoneonista e compositor argentino, Laura Escalada Piazzolla criou a Fundação Astor Piazzolla com o objetivo de continuar o seu legado e promover uma nova etapa na divulgação da sua música. Para tal, em 1998, formou o Quinteto Astor Piazzolla, composto por cinco solistas virtuosos com carreiras de destaque, que partilham esteticamente as ideias do Maestro e que se formaram artisticamente sob a sua influência.

Pablo Mainetti (bandoneón), Nicolás Guerschberg (piano), Serdar Geldymuradov (violino), Armando de La Vega (guitarra), Daniel Falasca (contrabaixo) e Julián Vat (Direção Musical) são os responsáveis por interpretar e manter viva a vasta obra do compositor que revolucionou o tango.

A ideia de formar um quinteto remonta ao grupo mais transcendente do maestro Astor Piazzolla: o seu quinteto de bandoneon, violino, guitarra eléctrica, piano e contrabaixo. Criou-o em 1960 e foi a sua ferramenta preferida no processo de construção do Nuevo Tango, que desenvolveu ao longo dessa década.

Os músicos que o acompanhavam eram intérpretes notáveis e requintados que Piazzolla apreciava sobretudo pela sua capacidade de recriar a sua música, enriquecendo-a com as respectivas personalidades.

Piazzolla instalou-se então na Europa durante alguns anos e deixou temporariamente o quinteto de lado até 1978, altura em que o voltou a reunir com uma nova formação que o acompanhou até 1988 e o tornou famoso em todo o mundo. O repertório deste novo quinteto foi alimentado pelo Novo Tango dos anos sessenta e por composições que incorporavam novas ideias, incluindo algumas obras-primas.

Com mais de vinte anos de experiência, o Quinteto Astor Piazzolla realizou grandes digressões nos Estados Unidos, América Latina, Europa e Ásia, recebeu elogios unânimes da imprensa e recebeu importantes prémios internacionais, como o Grammy Latino para Melhor Álbum de Tango (2019).

Nos últimos anos, o grupo lançou quatro álbuns (Revolucionario, Fugata, En 3×4 e Triunfal) com um surpreendente grau de habilidade interpretativa, trazendo para a atualidade obras clássicas mas também as menos conhecidas do percurso musical de Piazzolla, que soam novas e frescas como se saíssem diretamente do pensamento do compositor.

parra for cuva

Reply

Roberto-Brundo

A identidade sónica de Parra for Cuva pode ser resumida numa única palavra: Wanderlust. Reconhecido por um distinto sentido de mundanismo, a sua música forma um reino mágico onde a ressonância dos tambores de aço das Caraíbas se entrelaça com instrumentos antigos do Zimbabué, em contraste com paisagens sonoras eletrónicas melódicas que transportam o ouvinte para terras distantes.

Esta abertura tem sido uma caraterística marcante desde o início da carreira do produtor eletrónico e multi-instrumentista alemão. Ao mudar-se para Berlim, continuou a sua exploração, incorporando elementos que vão desde sinos a flautas e kalimbas.

Apesar do refinamento das suas habilidades e do amadurecimento do seu som, a sua música mantém uma qualidade estelar que incorpora o espírito de aventura. Com singles no topo das tabelas e dois álbuns aclamados, Majouré (2014) e Darwîś (2016), a revelação de Parra for Cuva veio com o lançamento de Paspatou (2018). Sem medo de misturar experiências de pista de dança com paisagens sonoras acústicas e étnicas, o seu quarto álbum de estúdio, Juno (2021), envolveu colaborações com músicos de todo o mundo. Comparado a contemporâneos como Christian Löffler e Max Cooper, conhecidos por misturar produções eletrónicas com sons analógicos quentes e muitas vezes melancólicos, Parra for Cuva participou em festivais de prestígio e palcos esgotados em todo o mundo, incluindo Burning Man e Sziget.

Hania Rani

Reply

Hania Rani é uma jovem pianista, vocalista e compositora que conta, no entanto, com uma já muito considerável discografia lançada. Estreou-se na Gondwana Records de Matthew Halsall em 2019 e, desde então, lançou já 5 novos trabalhos nessa que se tem afirmado como uma das editoras-chave da nova cena jazz britânica, incluindo o novíssimo «Ghosts» em que conta com colaborações de peso de artistas como Patrick Watson, Ólafur Arnalds e Duncan Bellamy (Portico Quartet).

Este seu mais recente trabalho foi apresentado com «Hello», uma composição que assinalou uma evolução no seu trabalho, com uma toada mais otimista e um eloquente som de piano elétrico Fender Rhodes envolto em sintetizadores apontavam para um caminho bem distinto dos terrenos da clássica contemporânea com que era mais frequentemente associada. Mas qualquer pessoa que tenha visto Rani ao vivo nos últimos dois anos pode testemunhar que a sua arte está em constante evolução e, tal como o título do álbum sugere, Rani passa repetida e graciosamente entre mundos musicais: como compositora, cantora, compositora e produtora.

«Ghosts» revela uma artista a encontrar a sua própria voz, a encontrar novas histórias para contar e talvez a partilhar a sua música pela primeira vez. Baseia-se nos seus álbuns anteriores, «Esja» e «Home», e mostra-a a criar ao piano, teclados e sintetizadores, instrumentos que servem de base para da sua voz misteriosa e encantadora. O álbum tem algo de misterioso, como o título sugere, uma aura acentuada pelo trabalho do arranjador islandês e membro dos Hjaltalín, Viktor Orri Árnason (Jóhann Jóhannsson, Hildur Guðnadóttir, Hauschka). O som sofisticado é da responsabilidade do engenheiro de som Greg Freeman (Peter Gabriel, Goldfrapp, Portico Quartet). O disco, de acordo com a própria artista, é ainda assim caloroso, surgindo informado por atuações ao vivo reveladoras e exploratórias, como a transmissão em direto de 2022 a partir do prestigiado Les Invalides, em Paris, que obteve 3,7 milhões de visualizações até à data. «Adoro álbuns longos», diz Rani, «e gostaria que as pessoas ouvissem este álbum como um concerto, porque foi concebido desta forma».

Se a estreia de Rani, «Esja», foi sobre a exploração do seu instrumento principal, e «Home» viu-a dar passos em direção a uma expressão mais completa da sua arte, «Ghosts» é onde ela une os seus variados interesses no que pode até ser considerado o seu primeiro álbum «real». Baseando-se numa afeição por diversos artistas como Enya, The Smile, James Blake e Pink Floyd – para não mencionar a sua admiração pelos seus convidados – e evocando a delicadeza de Stina Nordenstam, o talento de Keith Jarrett, a arte de Kate Bush e as inclinações sondadoras dos Pink Floyd, combina a experiência musical de uma vida inteira num mundo miraculoso e cósmico. Para aplaudir ao vivo em Portugal.